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La pixelación es un estilo de animación muy similar al stop motion. Aunque no es increíblemente importante declarar la pixelación en un sentido público general, se ha desarrollado como un estilo y medio diferente al de otros trabajos de stop-motion.

La diferencia entre la pixelación y el movimiento de parada

La pixelación es animación de stop-motion usando personas en lugar de marionetas. Así que en lugar de hacer una armadura y fotografiar eso, se fotografía a una persona haciendo pequeños movimientos incrementales. El resultado es una mirada surrealista a nuestro mundo real. Las leyes de la física y el mundo real ya no se aplican ya que estamos usando animación, pero como nuestro entorno y personajes son lugares reales, le da un giro único a la realización de películas.

La forma en que haces la pixelación es como el stop motion, sólo que necesitas al menos una persona extra muy paciente además del animador. Los actores sostienen una pose mientras usted toma una foto, se mueven gradualmente y luego usted toma otra foto. Es así de fácil!

La historia de la pixelación

La pixelación ha existido desde los primeros tiempos del cine, en sus formas más tempranas se puede ver en películas que se remontan a la década de 1910. Sin embargo, la pixelación no despegó realmente hasta la década de 1950 con un hombre llamado Norman McLaren. La película más famosa de McLaren en pixelación, y podría decirse que la película de pixelación más famosa es Neighbours. La película refleja temas antibélicos a través de dos vecinos en disputa, y el uso de la pixelación hace que tenga lugar en nuestro propio mundo, si no uno más exagerado.

Uno de los animadores más prominentes que trabajan hoy en día con pixelación es el animador PES. Su cortometraje Fresh Guacamole, nominado al Oscar, combina la pixelación con el tradicional stop motion de una manera divertida y creativa. Pixilation no sólo ha tenido un gran papel en el mundo de la animación independiente, sino también en los vídeos musicales.

Ejemplos populares de pixelación

Probablemente el ejemplo más famoso de pixelación es el mazo de Peter Gabriel. Al igual que el PES, combina la pixelación con el stop motion tradicional. Incluso hoy en día, la pixelación sigue siendo muy importante en la escena de los vídeos musicales. The White Stripes Hardest Button to Button, Radiohead’s There There, y OK Go End Love, todos utilizan la pixelación y el tradicional stop motion.

La razón por la que disfruto tanto de la pixelación es más por el lado creativo. Hay un costo de entrada tan bajo para crear pixelaciones, todo lo que necesitas son unos amigos y una cámara. El video de OK Go es un gran ejemplo de esto. Todo lo que realmente necesitaban eran sus sudaderas y una cámara para ponerse en marcha, incluso lo filmaron en un parque, así que ni siquiera necesitas ningún tipo de sets locos.

La pixelación como puerta de entrada al mundo de Stop Motion

Creo que la pixelación es una gran entrada en el mundo del stop-motion tradicional, con un rápido giro puedes crear pantalones cortos rápidamente y llevar lo que aprendiste al mundo de las armaduras y los sets. Todo lo que se aplica a un vídeo de pixelación también se aplica en el stop motion tradicional, por lo que es divertido jugar con ellos de un lado a otro.

Hay una razón por la que ha existido durante tanto tiempo y la gente lo utiliza una y otra vez para sus imágenes. Los smartphones tienen ahora cámaras tan brillantes que puedes hacer un vídeo musical completo con lo que ya tienes en el bolsillo.

Tanto los clips de películas como los gráficos son un tipo de símbolo dentro de Flash, y cada uno de ellos tiene atributos únicos. Los símbolos gráficos y los símbolos de películas son generalmente los dos tipos que más se utilizan cuando se anima en Flash.

¿Cuál es la diferencia?

La diferencia entre un símbolo gráfico y un clip de película es que un clip de película se comporta mucho más como un GIF que como un aspecto controlable de su animación. Un clip de película tiene su propia línea de tiempo dentro del símbolo, pero usted no tiene mucho control sobre él una vez que se coloca en su proyecto principal. Un clip de película se ejecutará por sí solo, ya que puede moverlo y animarlo, pero se reproducirá independientemente del resto de la animación.

Piensa en ello como si pusieras un GIF en un proyecto y lo animaras moviéndote. Mientras lo animas y lo mueves, se reproducirá el GIF, similar al funcionamiento de un clip de película.

Símbolo gráfico

Un símbolo gráfico que hemos encontrado es mucho más útil. Ellos también tienen su propia línea de tiempo dentro de su símbolo, sólo que el beneficio de ellos es que puedes tener control total si quieres que la animación se reproduzca o si quieres que sea un fotogramagramagrama, o que salte alrededor del fotograma a fotogramagramagramagramagrama por fotograma dentro de la línea de tiempo del símbolo.

El mejor ejemplo de lo útiles que son los gráficos es en cosas como la sincronización labial, donde cada fotograma de la boca tiene un fotograma diferente dentro del símbolo y puede elegir el que desea que se muestre en el momento.

Clips de películas

Así que en pocas palabras, los clips de película son como un libro de tiras separadas dentro de su animación, y un símbolo gráfico es un símbolo más versátil que puede ser tanto un libro de tiras fijas como un libro de tiras animadas. Decimos empezar a usar símbolos gráficos antes de los clips de película, los clips de película son monstruos raros que son difíciles de manejar y los gráficos son conejitos agradables de la amistad.

Con el auge de YouTube en Internet, ha cambiado el juego para una gran cantidad de producción de vídeo y animación. Una gran área que cambió fueron los videos musicales, RIP MTV. De ese cambio mayor surgió un nuevo tipo de contenido que está siendo realmente capitalizado por los sellos discográficos, el video lírico.

¿Qué es un video lírico?

¿Qué es un video lírico? Un video lírico es básicamente un video musical que se enfoca en mostrar las letras de la canción en la pantalla a medida que se reproduce. Una idea sencilla, pero que está despegando y convirtiéndose en un género popular para los sellos discográficos para conseguir más contenido para sus bandas, y así convertirse en una nueva área para que los animadores aprovechen para su trabajo.

No somos historiadores de videos líricos, pero por lo que hemos podido deducir ha sido un proceso evolutivo que comenzó temprano en YouTube. La gente rápidamente quiso hacerlo así si uno quería escuchar música en YouTube, lo que sería posible porque los sellos discográficos al principio eran reacios o simplemente no estaban interesados en subir vídeos oficiales para la música.

Windows Movie Maker

Así que al principio, se veían muchos videos que eran sólo fotos de la portada del álbum y de la canción que se estaba reproduciendo. Eso fue bastante popular durante un tiempo, pero la gente es más inventiva que eso. Con programas como Windows Movie Maker, en el que se podía editar texto fácilmente mediante transiciones preestablecidas, la gente empezó a crear vídeos con las letras escritas en la pantalla. Tienes que amar ese fondo azul de Windows Movie Maker, es un clásico.

Esto continuó por un tiempo, con la gente haciendo versiones un poco más elegantes que incluyen imágenes, o transiciones más animadas. No fue hasta más tarde que los animadores se involucraron para llevar estos simples videos líricos a lo que son ahora.

El primer video lírico que recordamos que se difundió por Internet y no sólo algo que alguien hizo en 10 minutos fue «F*&% You» de Cee Lo Green. Fue puesto originalmente como un marcador de posición hasta que el video oficial pudo ser lanzado. Aquí, por lo que presencié de la evolución, es donde el video lírico realmente despegó y se convirtió en su propio género.

Ahora los videos líricos son usados por bandas y sellos por una variedad de razones. A veces, como con «F*&% You», se publican antes de que salga el vídeo oficial para aprovechar la popularidad de una canción en la radio o para tratar de llamar la atención de la gente antes del lanzamiento oficial. También se ha convertido en un canal popular para el lanzamiento de B-sides. Cuando un nuevo álbum sale con un gran éxito, se pueden hacer videos líricos como contenido adicional para que esos álbumes vayan con las otras canciones que no son lanzadas como sencillos.

Dirección creativa para vídeos líricos está abierta

La dirección creativa de los vídeos líricos suele ser muy abierta, y cuando no lo es, suele ser sólo para tratar de salir de cualquier arte de álbum con el que la canción ya puede estar asociada. Los presupuestos no suelen ser enormes, y la vuelta suele ser bastante rápida, pero para algo que normalmente no tiene gastos en hacerlo (dependiendo de cómo lo diseñes, por supuesto) no es un mal trabajo. También es un campo que está en auge en estos momentos, cada vez más bandas y sellos discográficos lanzan videos líricos. Katy Perry libera una tonelada de ellos. Además, si trabajas de forma inteligente, pueden ser pequeños proyectos bastante divertidos, entra con un estilo de animación que se presta a copiar y pegar en todas las letras y te resultará mucho más fácil hacer el proyecto.

Si bien no son tan respetados como los videos oficiales y a veces se miran como una especie de contenido de relleno adicional, los videos líricos son un nuevo nicho para los animadores que está creciendo rápidamente y puede ser capitalizado si usted está interesado en hacer un video musical que anima y se centra en las letras de la canción que se representa en la pantalla. Así que si usted puede manejar una vuelta loca, ¿por qué no probar los videos líricos?

El largometraje de animación de Disney Moana llegó a las salas de cine y pudimos echarle un vistazo para que los encantadores lectores tengan una reseña de primera mano del mismo. Así que vamos a zambullirnos.

La parcela

Moana es una chica que pronto será jefa (no una princesa como ella dice) llamada Moana (interpretada por Auli’i Cravalho) cuya isla está sufriendo de una fuerza que está matando sus plantas y ahuyentando a sus peces. Su padre, el jefe, se niega a aventurarse más allá del arrecife e insiste en que no hay nada que pueda ayudarlos. La abuela de Moana le cuenta una historia sobre el corazón del mar que fue robado por el semidiós Maui (interpretado por Dwayne The Rock Johnson) a quien Moana debe encontrar y forzar a devolver el corazón del mar si todo ha de ser restaurado en el mundo y su gente puede florecer de nuevo.

Diversidad en la animación

Un punto de venta importante en el que se ha apoyado Disney es la selección de los verdaderos samoanos para interpretar al pueblo samoano en la película, así como su aprendizaje y comprensión de la cultura samoana, sus historias y su historia. Es un bonito toque que no sólo ayuda con el tema de la diversidad en el mundo de la animación, sino que también ayuda a hacer un mundo que se siente lleno y rico. No está haciendo tanta «apropiación cultural» como sus películas anteriores como Mulan o Pocahontas, ésta se siente mucho más como si estuviera contando la historia de Samoa de la manera en que se suponía que debía contarse.

Carácter femenino fuerte
Otro elemento que realmente disfrutamos fue que no había ningún interés amoroso. Moana no tiene un príncipe al que suspira o un hombre que necesita en su vida. Es agradable y refrescante ver una película con un fuerte carácter femenino que está impulsado por una emoción que no es el amor.

No hay nada malo con esas emociones, sólo se vuelve un poco repetitivo cuando cada protagonista femenina está buscando amor. La relación entre Moana y Maui también fue muy agradable, fue una amistad platónica que ambos aprendieron el uno del otro y realmente no parecía que Maui tuviera que «salvar» Moana, sino que tenían que trabajar juntos para lograr su objetivo. Grandes y refrescantes personajes para una película de Disney.

Pensamientos generales

Dicho esto, ¿qué pensamos de la película? Me dejó un poco con ganas de más, si somos honestos. Visualmente es muy bonito, y la animación del agua es fenomenal, pero en cuanto a la historia se siente un poco débil para nosotros. No pasó nada en ella que realmente nos tomara por sorpresa.

Aunque el concepto de la historia nos gustó mucho, fue la ejecución lo que nos pareció un poco soso. Moana y Maui tienen que viajar a través del océano y luchar contra dos monstruos antes de llegar a su objetivo final, que está rodeado de un monstruo de lava que ha sido el que ha destruido el mundo.

Los diseños de los monstruos eran geniales, y el segmento de los monstruos del cangrejo (expresado por Jemaine Clement de Flight of the Conchords) estaba bellamente estilizado y tenía nuestra canción favorita con su número «Shiny». Esos pequeños monstruos de coco son adorables también van a vender un montón de pequeñas versiones de animales de peluche de ellos.

Se sentía como si nada tuviera suficiente peso cuando se encuentran con estos dos monstruos en su camino, no se siente como grandes momentos que tienen que superar. Se sentía muy similar a todos los otros segmentos de Moana aprendiendo a navegar el océano. Una vez que llegan al monstruo de lava final tampoco se siente como este gran clímax de su aventura, y más bien como «otro monstruo» a batir.

Creemos que el mayor problema que tuvimos con él es que no tiene un verdadero protagonista al que enfrentarse Moana y Maui. Durante la película, seguimos pensando en Hércules, donde lucha contra la hidra. Ese momento tiene un peso real donde se vuelve más y más intenso a medida que Hércules lucha contra la hidra y sigue multiplicando sus cabezas antes de que finalmente tengamos el momento de «¿lo hizo?» donde Hércules parece haber sido derrotado por el monstruo.

No es por ir demasiado lejos en la forma en que habríamos escrito la película en comparación con la forma en que la escribieron, pero sentimos que si el monstruo de lava fuera un antagonista más grande de Moana y Maui, la historia podría haber tenido más altibajos a medida que avanzábamos juntos en este viaje. Disney también es tan bueno haciendo chicos malos donde están muy desarrollados y personajes tridimensionales que nos perdimos de tener eso en esta, ¡no conseguimos una divertida canción de villanos de Disney!

Haciendo comparaciones

Dicho esto, creemos que es una buena película. La actuación de la voz fue genial, y nos impresionó mucho lo bien que The Rock cantó su canción, ese fue otro punto culminante para nosotros. Se cayó un poco plano en cuanto a los momentos que me excitaron, somos bastante fáciles de hacer y Disney suele hacerlo con tanta habilidad que nos sorprendió un poco que esta película no tuviera ninguno de esos momentos.

Cuando se compara con Frozen, que fue una versión inteligente de las historias más típicas de cuento de hadas que hace Disney, así como Zootopia, que fue una película increíble, y mucho menos una increíble película de Disney, nos sentimos como si Moana la hubiera interpretado de forma un poco segura. Se sentía como una estructura de 3 actos y una típica película de aventuras para niños, con un alivio cómico y obstáculos que superar y un final feliz (alerta de spoiler aunque ya sabías que lo tendría).

¿Entonces vale la pena ver Moana? Si tienes hijos, definitivamente, es una película divertida que mantendrá a todos entretenidos y tiene un mensaje agradable, así como personajes que representan mensajes positivos tanto para los niños como para las niñas. ¿Te dejará Moana con un sentimiento de admiración como Zootopía o La Película de Lego? No creemos que sea así.

La animación limitada utiliza técnicas especiales para limitar el esfuerzo que implica la producción de la animación completa, de modo que no es necesario dibujar cada fotograma individualmente. Cuando se producen entre 20 minutos y dos horas de película animada a 12-24 (¡o incluso 36!) fotogramas por segundo, esto puede apilar hasta miles o incluso millones de dibujos individuales. Incluso con un equipo completo de animación en una compañía de producción a gran escala, esto puede ser casi imposible.

Por lo tanto, los animadores harán uso de técnicas de animación limitadas, que implican la reutilización de todos o parte de los marcos animados existentes, mientras dibujan nuevos marcos sólo cuando sea necesario. De hecho, es una de las razones por las que la gente a menudo afirma que la animación japonesa es inferior a la animación americana, incluso si la animación americana también utiliza con frecuencia técnicas de animación limitadas. Es un poco menos obvio.

Ejemplos de animación limitada

Uno de los ejemplos más fáciles de animación limitada es la reutilización de las bicicletas de paseo. Si tu personaje está caminando hacia algo y has creado un ciclo de 8 cuadros estándar, no es necesario volver a dibujar el ciclo de caminata para cada paso. En lugar de eso, sólo tienes que repetir el mismo ciclo de caminata una y otra vez, ya sea cambiando la posición del personaje o el fondo para mostrar el movimiento que progresa a través de la pantalla. Esto no se aplica sólo a las personas; piense en las ruedas de una locomotora que se mueven o en las ruedas de un coche que gira. No es necesario animar esto una y otra vez cuando los espectadores no puedan darse cuenta de que se ha reutilizado el mismo ciclo, siempre y cuando el movimiento sea suave y consistente.

Otro ejemplo es cuando los personajes hablan, pero no mueven ninguna de las otras partes visibles de sus cuerpos. En lugar de redibujar todo el marco, los animadores usarán una celda con el cuerpo base, y otra con la boca o incluso toda la cara animada encima de ella para que se mezcle perfectamente con las celdas de capas. Pueden simplemente cambiar los movimientos de la boca o pueden cambiar la expresión facial o incluso toda la cabeza. Esto puede contar para cosas como brazos que se balancean sobre cuerpos estáticos, partes de máquinas, etc. -cualquier cosa en la que sólo una parte del objeto se esté moviendo. Lo que más importa es que se integra a la perfección.

Otro ejemplo es el de los marcos de retención en los que los personajes no se mueven en absoluto. Tal vez se detuvieron por un tiempo de reacción, tal vez están escuchando, tal vez están congelados de terror. De cualquier manera, no se mueven durante unos segundos, así que no tiene sentido dibujarlos exactamente en la misma posición. En su lugar, el mismo fotograma se reutiliza y se toma una y otra vez durante el tiempo correcto utilizando la cámara de la tribuna, cuando se filma la animación.

Material de archivo

Algunos espectáculos animados utilizan secuencias animadas que se reutilizan en casi todos los episodios, por lo general para algún momento especial que es una parte clave del espectáculo. A veces las secuencias también se reutilizan en imagen espejo, o con varios cambios en el zoom y el panorama para usar sólo parte de la secuencia animada, pero con suficiente variación para que parezca única.

Flash, en particular, hace que las técnicas de animación limitadas sean extremadamente simples y comunes, a menudo reutilizando formas de caracteres base y secuencias de animación incluso sin el uso extensivo de preadolescentes para sustituir la animación fotograma a fotograma por fotograma. Otros programas como Toon Boom Studio y DigiCel Flipbook también mejoran este proceso y facilitan el reciclaje de imágenes y arte de personajes.

Una de las mayores ventajas de After Effects es su capacidad para crear animaciones en 3D para estudio. Junto con eso está la capacidad de crear luces, similar a programas 3D más desarrollados como Maya o Cinema 4D. Pero, ¿cómo funcionan las luces en After Effects y cómo se utilizan? Vamos a zambullirnos y comprobarlo.

El 3D de After Effect es 2.5D

La versión de After Effects de 3D no es realmente 3D, ya que se podría pensar que es una película de Pixar o un videojuego. Es realmente 2.5D – hecho de objetos que tienen altura y anchura pero no cualquier profundidad, aunque puedes apilarlos uno encima del otro y crear una ilusión de profundidad.

Es mucho más parecido al estilo de South Park (aunque South Park se crea en Maya). Es como si tuvieras trozos de papel que puedes apoyar y poner en el espacio Z; ellos mismos no tienen realmente ninguna profundidad, pero puedes crear una escena con profundidad en ella. Puede ser un poco difícil de entender, pero no lo pierda de vista, porque una vez que entienda cómo funciona el 3D en After Effects, podrá crear animaciones y efectos realmente limpios con el programa.

Creación de su composición

Así que abra el programa de After Effects y hagamos una nueva composición seleccionando Composición> Nueva composición o usando el atajo de teclado Comando + N . Esto abrirá la ventana de Nueva Comp. Póngale título » Light Test» o algo parecido para que podamos reforzar los buenos hábitos de organización cuando trabajemos en After Effects. Hágalo 1920 por 1080 (que siempre debe ser su estándar de trabajo). Ajuste la velocidad de fotogramas a 23.97 y hágalo alrededor de 10 segundos de largo. Una vez que hayamos hecho todo eso, haga clic en OK .

Creando una luz

Ahora que tenemos nuestra composición preparada, vamos a crear una luz. En el menú desplegable de la parte superior de la pantalla, seleccione Capa> Nuevo> Luz También puede hacer clic con el botón derecho en su línea de tiempo o espacio de trabajo y seleccionar New> Light , o usar el atajo de teclado Shift + Command + Alt + L .

Una vez que lo hayamos hecho, deberías ver la ventana de Configuración de la luz que aparece en tu pantalla, aquí podemos controlar qué tipo de luz es así como cuáles son sus características. Tenemos algunas opciones, Paralelo , Punto , Punto , y Ambiente . Las opciones de luz que he visto usar más a menudo y que uso más son Punto y Punto, pero veamos cómo es cada tipo de luz.

Luz paralela

Una luz paralela es algo así como una caja de luz. Crea un plano que proyecta la luz desde él, en lugar de ser un punto individual. Las luces paralelas generalmente contienen una cantidad de luz distribuida de manera más uniforme en un área más amplia con una caída más gradual desde el centro.

Luz puntual

Un foco en After Effects funciona como un foco en la vida real; es un único punto en el que puede apuntar a cualquier cosa. Suelen ser luces enfocadas más pequeñas, más circulares, que permiten controlar el ancho o el angosto de las mismas, así como el grado de nitidez de la caída. Los focos se utilizan generalmente para resaltar una parte específica de un marco; el resto está en la sombra negra con una caída bastante aguda.

Punto de luz

Una luz puntual es como si tomaras una bombilla y la colgaras de un cable y la usaras para iluminar tu marco. Es un punto de luz que se puede mover, pero sin las características añadidas del foco como la capacidad de ajustar el ancho. Para controlar el área de la luz puntual, usted controla su brillo, de modo que cuanto más brillante sea la luz puntual, mayor será la escena que va a mostrar, pero también comenzará a apagar cualquier cosa que esté directamente alrededor del punto de esa luz.

Luz ambiental

Una luz ambiental creará una iluminación para toda la escena, pero sin la capacidad de maniobrar o colocar esa luz o controlar su cono o caída directamente. Una luz ambiental es más estrechamente relacionada con el sol; iluminará toda la escena, pero usted no tiene mucho control sobre ella. La luz ambiental se utilizaría con más frecuencia si desea afectar a la iluminación de todo el marco.

Aplicando la luz a su escena

Para aprender a utilizar las luces en After Effects, utilicemos la opción Spot Light , ya que tendrá la mayor cantidad de opciones dentro de ella para que podamos jugar y aprender de ellas. Las mismas técnicas se aplican a todas las demás formas de luces, sólo que tendrán unas pocas menos opciones que los focos, pero se aplican a ellos los mismos principios que a los focos.

Seleccione Spot en el menú Light Type y echemos un vistazo a sus otras características. Tenemos el color de nuestra luz, cambiando esto (obviamente) cambiará el color de su luz. Encuentro que usar una luz blanca con un poco de un tinte amarillo crea la mejor luz de sensación del mundo real.

Esto es a lo que los ojos de la gente están más acostumbrados, así que me gusta intentar emularlo cuando se puede. Luego, tenemos intensidad , una medida de cuán brillante es la luz. Por ahora, mantengámoslo 100% ; ir más bajo que eso lo hará más tenue y ir más alto lo hará más brillante y apagará el centro mismo del foco.

A continuación, tenemos el Cone Angle y Cone Feather , el ángulo del cono determina el ancho del foco, por lo que cuanto mayor sea el ángulo, mayor será el círculo y cuanto menor sea el ángulo, menor será. La pluma de cono determina cuán afilado es el borde de nuestra luz, así que una pluma de 0% será una línea dura, y una pluma más alta de 100% será un desvanecimiento gradual de la luz en lugar del borde afilado.

Falloff , Radius , , y Falloff Distance son todos similares a la pluma de cono, sólo que se aplican más al exterior de la luz que al borde de la luz. Una caída suave con un radio alto y una gran distancia de caída parecerá como una luz mucho más grande que lentamente se convierte en oscuridad en lugar de un foco agudo y enfocado.

Casting Shadows

Esto tiene su propia sección porque es un elemento importante en la fabricación de sus luces. Lo más probable es que si está haciendo luces en After Effects, querrá que estén proyectando sombras. Para ello, tendremos que asegurarnos de que nuestra casilla Casts Shadows esté marcada aquí en nuestra ventana Light Settings .

Una vez que comprobemos que la Oscuridad de la Sombra y la Difusión de la Sombra estarán disponibles para cambiar. La oscuridad es obviamente lo oscura que es la sombra, y la difusión es lo suave o aguda que es. Una alta difusión significa que tendrá un borde borroso, mientras que una baja difusión creará una línea nítida en el borde de la sombra. Por ahora, pongamos difusión a las 10. Una vez que hagamos clic en ok, verás que tu luz aparece en tu composición.

Controlando su luz

Una vez que nuestra luz ha aparecido en la composición podemos empezar a movernos y posicionarla si eso es parte de las opciones de luz (recuerde que las luces ambientales no se pueden posicionar).

Con el foco de atención, verá que tenemos nuestras flechas rojas, verdes y azules estándar conectadas a él como si se tratara de cualquier otro objeto 3D creado en After Effects. Estos controlan las posiciones X, Y y Z de la luz. Puedes hacer clic y arrastrar cada una de estas flechas para ayudar a moverte y posicionarte donde quieras que esté tu luz.

También notará que con el foco tenemos una línea y un punto saliendo de ella. Esto controla hacia dónde apunta el foco. Ese es el punto de interés de la luz de spot. Podemos animar y mover su posición y punto de interés por separado, así que es como si tuviéramos un foco real y pudiéramos deslizarlo por el suelo y ajustar su objetivo.

Todos los controles se pueden encontrar dentro de la luz, y cualquier cosa con la que no estemos contentos podemos modificarla incluso después de haber creado la luz. La opción Transformar en el menú desplegable de nuestra luz dentro de nuestra línea de tiempo controla toda su posición y rotación, y la opción Opciones de luz controla todo desde la ventana de configuración que experimentamos anteriormente, por lo que tenemos mucha capacidad para jugar con ella hasta que obtenemos el efecto de luz digital que buscamos.

Que las luces afecten a sus objetos

Ya que nuestra escena es sólo una luz en este momento, vamos a querer crear algo para que afecte, así que vamos a crear un nuevo sólido para que se ilumine. Seleccione Layer> New> Solid o use Command + Y para abrir la ventana Solid Settings. Lo convertiremos en un completo 1920 x 1080 para que llene nuestra escena y lo convierta en el color que quieras, luego haz clic en OK .

Notarás que cuando creamos nuestro sólido parece un bloque gigante de color, no siendo afectado por la luz en absoluto. Incluso si lo arrastramos por debajo de nuestra luz en la línea de tiempo, no se verá afectado.

Esto se debe a que para que una capa reaccione a la luz debe ser una capa 3D dentro de After Effects. Así que en nuestra línea de tiempo, tendremos que cambiar esta nueva capa sólida para que sea una capa 3D haciendo clic en el cuadro vacío debajo del logotipo de un cubo 3D. Eso pondrá un cubo en esta caja vacía y convertirá nuestra capa en una capa 3D y deberías verla iluminada por tu luz tan pronto como la encendamos.

Creación de sombras entre objetos

Ahora vamos a dar un paso más allá y crear otro objeto para que podamos ver una sombra de After Effects en acción. Haz la misma técnica de crear un sólido ( Command + Y ) y luego tomaremos ese sólido y lo deslizaremos un poco hacia la izquierda.

Ahora, necesitamos que sea una capa 3D para que acepte la iluminación, así que cambie esa misma caja vacía debajo del icono del cubo 3D para cambiar esa capa a una 3D. Tendremos que apartarlo de nuestro sólido original también, para crear una cierta distancia entre los dos para que no estén apilados uno encima del otro.

Haz clic y arrastra la flecha azul o ve a las opciones de transformación de la capa y desliza la posición Z, para que este nuevo sólido se acerque a nuestra luz y se aleje de la otra capa. Notarás de inmediato que no parece que haya sombras. Independientemente de dónde coloque o incline la luz, no verá ninguna sombra, ya que necesita activar la capacidad de las capas para crear efectos visuales de sombra en After Effects.

Haga clic en la flecha junto al nombre de la capa para abrir los menús desplegables y haga lo mismo con Material Options . Verá que Casts Shadows está configurado en OFF por defecto, así que actívelo en ON . Debería ver aparecer una sombra detrás de esta capa y encima de la otra. Aquí también podemos controlar muchos aspectos de cómo nuestra capa acepta las luces, así como si desprende cualquier luz similar a una superficie reflectante.

Conclusión

Así que ahí lo tiene, esos son los fundamentos para crear una luz en After Effects. Después de que lo hayas hecho, será simplemente un montón de pruebas y errores para averiguar qué ajustes te gustan y qué valores establecer para crear una sombra o luz que creas que ilumine tu escena de la mejor manera posible. Recuerda, no hay una manera correcta o incorrecta de iluminar algo, así que intenta crear una iluminación realmente dinámica.

OpenToonz es un programa de animación gratuito y de código abierto usado por gente como Studio Ghibli, Futurama, y Steven Universe. Es completamente gratuito, pero ¿es lo suficientemente potente para sus necesidades? Si necesita un medio fuerte y capaz de crear una animación 2D tradicional, la respuesta es «lo más probable».

Lo que no nos gusta

Las caídas son frecuentes. Las caídas no parecen ser en respuesta a ningún factor estresante en particular; el programa simplemente se cae al azar de vez en cuando. Sólo asegúrese de guardar su trabajo regularmente.

La Xsheet es confusa . Este es el equivalente digital de una hoja de exposición. Lo usas para controlar el tiempo de todo en una escena.

Algunas características y ventanas son difíciles de encontrar . Muchas de las ventanas que usted pensaría que son vitales no están disponibles cuando abre el programa por primera vez. Tienes que hurgar un poco para activar la barra de herramientas, la línea de tiempo y otras funciones. Es una queja menor, pero es frustrante cuando se navega por el programa.

No siempre crea nuevos marcos automáticamente . Algunos usuarios informan de que tienen que reiniciar y configurar un proyecto de nuevo después de dibujar un marco para evitarlo.

El diseño y la disposición parecen anticuados . Esto no afecta al rendimiento real del programa, pero la interfaz no es tan eficiente como otras opciones.

Lo que nos gusta

Puede combinar animación dibujada a mano y animación digital . Ningún otro programa le permite traer dibujos escaneados y pulirlos digitalmente como lo hace OpenToonz.

Tiene todas las funciones . OpenToonz es bastante completo en sus capacidades, con características tales como la capacidad de animar, luego limpiar esa animación, tener muestras de color en su paleta, traer animación real dibujada a mano para digitalizar, y más.

Es de código abierto . Esto no sólo significa que el programa es gratuito, sino que también asegura que los desarrolladores siempre están mejorando el producto. Libre de burocracia corporativa y motivos de lucro, las actualizaciones se realizan según sea necesario y sin costo alguno.

Impresiones finales

A pesar de la ligera torpeza y otros inconvenientes menores, OpenToonz es una herramienta realmente poderosa para la animación 2D tradicional. Dado que es de código abierto (también conocido como libre), no tienes nada que perder al descargar y jugar con el programa. Creemos que estará de acuerdo en que es un fuerte competidor de programas como Adobe Animate.

Hay una buena animación, y luego está la animación que realmente te hace volar por los aires con un estilo, una perspectiva y un movimiento únicos. Algunos de ellos utilizan pequeños trucos que marcan una diferencia sutil; otros utilizan técnicas muy imaginativas y nuevos enfoques que llevan la animación a un nivel completamente nuevo. Así que, ¿cómo puedes intentar sacudir tus animaciones y crear ese tipo de efecto llamativo?

Usar Arte de Línea de Color

Esto era bastante difícil en la animación tradicional, pero con la animación por ordenador en 2D es fácil crear contornos en colores que no sean el negro estándar. Puede usar un color marrón claro para el arte lineal alrededor de las áreas con tonos de piel, o un contorno azul más oscuro en una camisa de color azul pálido. Esto crea un aspecto más suave, más mezclado para la animación, de modo que se convierte en una parte más perfecta del fondo y crea una apariencia casi vertical.

Jugar con ángulos y zoom con un efecto dramático

Muchas de las animaciones utilizan composiciones de escenas que las hacen parecer un videojuego de desplazamiento lateral. Eso no es necesariamente malo, pero realmente no destaca. No hay ninguna razón real para ajustarse a ese estilo todo el tiempo, y cuando haces un uso inteligente de los ángulos, la perspectiva y el zoom, puedes crear efectos dramáticos que aumentan el estado de ánimo de tus escenas animadas. Por ejemplo, cuando un personaje está entregando un monólogo dramático, usa una vista frontal – pero con la mitad de la cara del personaje cortada por el borde de la pantalla, dejando el resto lleno de negro (o incluso con otra animación que represente de lo que están hablando). Crea una sensación austera y sombría, con el único ojo del personaje centrado en ti. Otra forma es acercarse sólo a su boca para que toda emoción tenga que ser representada por la curvatura de la boca y el tono de voz. Puedes usar ángulos inclinados para mostrar la confusión del personaje observando eventos, ángulos agudos y altos para crear surrealismo, o una perspectiva exagerada desde ángulos bajos para hacer que alguien parezca ser más grande que la vida.

El único límite a lo que puedes hacer aquí es tu propia imaginación.

Usar trucos de animación 2.5D

La animación 2.5D cruza esa línea entre la animación 2D y 3D, y crea una llamativa sensación de profundidad. Esto puede implicar cualquier cosa, desde establecer una perspectiva de escena 3D mediante el uso de sombras de personajes hasta crear una falsa perspectiva y un sentido de tridimensionalidad utilizando pequeños trucos que hacen que tus personajes y objetos parezcan ocupar un espacio 3D en lugar de una página plana (como cambiar la perspectiva en un giro de cabeza para que la cabeza del personaje parezca realmente esférica, en lugar de redonda).

Sea poco ortodoxo en el diseño de su personaje

No tienes que usar proporciones perfectas, o el estilo clásico de los bujos. Haz algo diferente. Los diseños de personajes son parte de lo que hace que una animación destaque más que cualquier otra cosa, y si tus personajes son únicos, tu animación sobresaldrá en la mente de la gente. Un ejemplo llamativo es 2D de la banda Gorillaz; sus cavidades oculares vacías y huecas son espeluznantes y totalmente memorables, y a pesar de no tener ojos sigue animado por una gran cantidad de emoción. También puedes ver estilos como los del espectáculo Winx Club: largos y leggy y atenuados, imitando los bocetos de diseño de moda. Son los que rompen las normas y desafían las convenciones los que te hacen detenerte y echar un segundo vistazo – así que no tengas miedo de hacer algo un poco diferente al libro de texto.

Lleve sus extremos a nuevos extremos

La animación es todo acerca de los extremos – usando squash y estiramiento, exageración, anticipación, atracción y otros trucos para atraer a los espectadores a una experiencia que es más real que la realidad. Las animaciones tienen que ir a lo grande o a casa; si tratan de transmitir emoción y acción usando expresiones y movimientos realistas, terminan cayendo de bruces por numerosas razones, una de ellas es que carecen del lenguaje corporal y otras claves que las personas reales tienen para apoyar sus expresiones y movimientos. Mientras que los extremos son estándar en la animación, usted puede llevar el suyo al siguiente nivel y realmente exagerar su animación hasta que sea como un mazo en la cara. ¿Alguna vez has visto FLCL? Sí, esa te golpeará en la cabeza con sus extremos y luego te seguirá pateando hasta que no puedas levantarte.

Mezcla de medios

Ya no estamos confinados estrictamente en 2D o 3D. Puedes mezclar medios y métodos de tantas maneras como quieras, ya sea que estés haciendo que un personaje 2D se mueva a través de un fondo totalmente 3D o mapeando arte 2D en formas animadas 3D. Incluso puede mezclar medios uniendo animaciones de celdas pintadas a mano con trabajos de animación Flash o introduciendo ilustraciones detalladas de Photoshop para utilizar pequeños trucos para animarlas. Combine su experiencia en formas únicas para hacer que su estilo sea realmente distintivo.

Hay muchas otras maneras de hacer que tu animación y tu estilo destaquen. ¿La cosa más grande? Permítase pensar de otra manera. No se limite a copiar lo que ve a otras personas haciendo. Pruebe cosas nuevas, y si funcionan bien, pruebe otra cosa. Estos consejos sólo tienen la intención de darle ideas y actuar como un trampolín para empujarlo en la dirección correcta. Incline su mundo al revés, vea cómo se ven las cosas desde allí… y luego anímelo de una manera que la gente nunca olvidará.

Así que quieres ser un pez gordo de Hollywood con tu propio programa de televisión animado, ¿no? Bueno, ¡vas a necesitar una biblia de lanzamiento para poder despegar! Pero, ¿qué es una biblia de lanzamiento? Una biblia de tono es un documento elaborado para mostrar el aspecto de su programa, así como para familiarizar a los productores con los personajes y los arcos de la historia cuando deciden si quieren o no dar luz verde a su programa.

Dado que los espectáculos animados varían mucho en estilo, una biblia de tono es una herramienta para que todos estén en el mismo lugar cuando se presenta la idea. Con un espectáculo de acción en vivo todo el mundo puede imaginarse cómo será, un montón de gente caminando por ahí, pero con la animación, podría ser cualquier cosa, desde la sensación de pseudo-acción en vivo de King of the Hill hasta el mundo súper estilizado de Samurai Jack. La biblia de lanzamiento muestra a la gente exactamente cómo se va a ver y sentir tu programa.

Qué incluir en la Biblia Pitch

Una biblia de lanzamiento puede venir en todas las variedades por lo que no hay una regla dura y rápida acerca de cómo debe configurar la suya, hay algunos elementos que se esperan, sin embargo. Querrás incluir diseños para todos tus personajes, así como reseñas sobre sus características clave para darles una pequeña introducción. ¿Tu personaje es un luchador profesional? O tal vez son una tostadora tímida e introvertida. Presentar a tus personajes tanto visualmente como a través de texto ayudará a la gente que estás lanzando a tener un buen sentido del espectáculo.

Junto con los personajes principales por lo general, querrás incluir algunos personajes secundarios o recurrentes, para darles una idea del mundo extendido en el que se desarrolla tu programa. Una vez más, usted querrá ilustraciones, así como algunas breves reseñas sobre cualquier persona clave.

Un resumen de la exposición

Otra pieza común de una biblia de tono es un resumen general de su programa, esto usualmente se hace a través de un resumen de texto. ¿Cuál es la trama general de la serie? Si se trata de Powerpuff Girls, tal vez escribirías que un científico hace tres jovencitas superpotentes que luego luchan contra el crimen en su pequeña ciudad. Es útil señalar cualquier conflicto clave que usted espera que sea un tema general a lo largo de su serie.

Los puntos de partida del episodio son otra cosa agradable de incluir, y tal vez incluso algunos resúmenes completos de un episodio. Si tus personajes se encuentran en una boda esquelética, escribe un poco sobre lo que sucede y el arco de la historia. Esto da a la gente que lee el discurso una buena idea de cómo se sentirán los diferentes episodios y que ya tienes algunos puntos de partida en los que trabajar si quieren continuar con la producción del espectáculo.

Todas las biblias de lanzamiento hacen las cosas de manera diferente, por ejemplo, la biblia de lanzamiento de Adventure Time. Se puede ver que comienza de manera amplia y luego se vuelve más y más específico. Esboza el programa general antes de sumergirse más profundamente en quiénes son Jake y Finn.

Adventure Time tuvo la oportunidad única de tener ya una audiencia incorporada, así que la sección de arte de los fans es un toque bastante limpio que tal vez no puedas tener en tu biblia de pitch. Si por alguna razón tienes algún elemento único en tu programa, tal vez empezó como un cómic o algo así, nunca está de más incluirlo para mostrar a la gente que lo está leyendo que es único y puede que ya tenga una base de fans.

Sea inventivo con el diseño

Usted puede conseguir inventivo con su diseño de su biblia de la echada también, una biblia bien diseñada de la echada hará ciertamente su demostración más atractiva. Otra biblia de lanzamiento de Pendleton Ward es Bravest Warriors, que comienza como un libro de historietas antes de entrar en el campo. Esa es una manera muy buena de conseguir que tu lector invierta en tus personajes y en tu idea del programa.

El material suplementario también puede ser útil para que su programa sea notado y levantado del suelo. Aquí hay una pequeña animación que King of the Hill envió al estudio cuando estaban lanzando. Otra gran estrategia para conseguir que su programa se destaque y muestre cómo se ve y se siente.

Las biblias de lanzamiento son puntos de partida para que un extraño se ponga al día con lo que es su programa y cómo se ve y se siente. Puede que no estés en la misma habitación que todos los que lo leen, por lo que quieres que sea sencillo y que haga que se entienda a la perfección mientras flexionas los músculos del espectáculo y lo exhibes.

Así que si estás pensando en hacer un espectáculo, ¡por qué no hacer una biblia de lanzamiento! Será una gran práctica para cuando necesites hacer uno para presentar y te ayudará a convertirte en un experto en cada detalle de tu show!

Desde que la animación japonesa (también conocida como anime) cruzó continentes y se hizo popular entre generaciones de televidentes estadounidenses, han persistido acalorados debates sobre cuál es la mejor: Animación japonesa o americana. Algunos animadores y entusiastas de la animación estadounidenses critican el estilo y los métodos japoneses por perezosos, mientras que algunos entusiastas de la animación japonesa consideran que el estilo estadounidense es tosco o demasiado cómico.

Diferencias en los estilos de animación

El aspecto y la sensación de las animaciones japonesas difieren claramente de las animaciones americanas en el diseño de los personajes humanos. Las señas de identidad de la animación japonesa son los ojos distintivamente grandes con numerosos reflejos y colores detallados, así como las pequeñas narices y bocas dibujadas con líneas mínimas; incluso ciertos estilos que favorecen las bocas generosas y poco realistas las representan con pocas líneas. El estilo en sí mismo utiliza muchos ángulos y líneas fluidas y atenuadas. Otras características como las pestañas, el cabello y la ropa se describen con mayor detalle. El color aparece a menudo con más variantes y sombreados, con mayor atención a las luces y sombras no perfiladas que añaden más profundidad.

Por el contrario, la animación americana cae en intentos de realismo al estilo de los cómics o en personajes cómicos exageradamente exagerados con rasgos redondos y muy exagerados. Por lo general, hay menos detalles, con más enfoque en el uso de trucos de estilo para implicar los detalles de una manera más sutil y discreta. Se presta menos atención al sombreado que a los colores de los bloques sólidos, excepto en escenas dramáticas que lo requieren.

Mientras que la animación americana puede parecer que carece de detalles de color, incluye una gran cantidad de movimiento animado original – algunos de ellos usados cíclicamente pero todavía animados con mucho cuidado fotograma a fotograma. En contraste, el anime emplea atajos, tales como escenas largas en las que sólo la boca de un personaje y tal vez algunos mechones de cabello se mueven durante la entrega de información clave; o cuando se representa el movimiento rápido con un personaje congelado en una acción que se presenta contra un fondo estilizado y de movimiento rápido que no requiere una animación extensiva. A menudo utilizan tomas fijas dramáticas sobre fondos con patrones, con unos pocos símbolos emotivos en movimiento que acompañan a un monólogo. Es por eso que los animadores americanos a veces califican al anime japonés de «perezoso». Ambos estilos reutilizan tomas y secuencias, pero esta práctica es un elemento estilístico indicativo de la animación japonesa.

Fotografías y puntos de vista de la cámara

La animación americana tiende a utilizar tomas de cámara directas, menos preocupadas por los ángulos cinematográficos y la dramaturgia que por la representación clara de los acontecimientos, aunque hay excepciones a esa regla. La animación japonesa a menudo utiliza ángulos, perspectivas y zooms exagerados para intensificar el estado de ánimo de una escena y mostrar acciones con un efecto extremo.

Diferencias de contenido

La mayor diferencia, sin embargo, está en el contenido y la audiencia. En Estados Unidos, los dibujos animados y las películas han sido considerados durante mucho tiempo como un medio para niños, y la mayor parte de la animación producida en Estados Unidos está dirigida a ese público.

En Japón, el anime puede ser para niños o adultos, y algunas importaciones japonesas han sorprendido a algunos padres que descubren la naturaleza más madura de la animación japonesa. Lo que es apropiado para niños y adultos puede diferir entre las dos culturas; lo que es apropiado para un niño de 10 años en Japón puede no ser considerado apropiado para un niño estadounidense de 10 años.

Una cuestión de gusto y preferencia

Más allá de eso, sin embargo, las diferencias no son tan grandes. Ambos buscan contar una historia en un medio animado, utilizando métodos tanto digitales como tradicionales. Ambos usan la exageración para enfatizar la emoción en las acciones del personaje, así como otras técnicas como la anticipación, la música oportuna y el squash y el estiramiento para acentuar el drama o el humor. Ambos siguen los principios básicos de la animación y requieren una dedicación al oficio. Al final, un estilo no es mejor que el otro, ya que es más bien una elección subjetiva basada en el gusto y la preferencia

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